Vanguardias en la creación escultórica. El objeto como transgresor público y creador de sentido.
Por: David Botero Villegas
… no nos quepa la menor duda de que se requirió una actitud mental verdaderamente científica, una curiosidad asidua y perpetuamente despierta, un gusto del conocimiento por el placer de conocer, pues una pequeña fracción solamente de las observaciones y de las experiencias podían dar resultados prácticos e inmediatamente utilizables. (Levis-Strauss, 1964 Pg. 32)
Los procesos escultóricos vistos tanto como obra de arte en nuestros tiempos y como una necesidad de creación en el hombre “primitivo”, este segundo aprovecha su función cultural en cada sociedad para sacar mayor provecho útil de todas sus acciones, las cuales se vieron reflejados en su lengua y conocimiento. Cabe resaltar que para la ciencia fue algo prepotente no contar con tal capacidad de entendimiento sobre las sociedades primitivas, allí donde constantemente estaban en interacción con la naturaleza comienzan a apropiarse de su espacio de una manera muy particular, se conectaban con lo que realmente necesitaban, serán con sus cosas básicas como la comida que para ello necesitaban cazar, entonces llegaban a los instrumentos, cada cosa que se le presentaba debía ser catalogada, y para diferenciarlos de su grado característicos necesitaban de un vocabulario. Fue algo totalmente nuevo, un sistema que funcionaba de una manera que podían comunicarse con un gran pensamiento asertivo en lo que sabían hacer.
En el textos por Claude Levi-Strauss llamado el pensamiento salvaje (1962) se hablara de estos paralelo como: lo “primitivo” y la ciencia, lo tradicional y lo contemporáneo, un pensamiento imaginario y racional, el conocimiento y la experiencia, el bricoleur y el ingeniero, son binomios que se abordaran de manera muy cercana y que se logran complementar perfectamente, tal vez son opuestos pero para establecer una aproximación a la obra escultórica pueden ser muy complementarios. Y así, más adelante pueden ser necesario que se unan en otro texto por Rosalind Krauss (1979) llamado la escultura en el campo expandido donde las vanguardias escultóricas nos ponen a dudar de escenarios que han trascendido y han generado un pensamiento un tanto abstracto de algo escultórico con sus binomios como no-paisaje y paisaje, arquitectura y no-arquitectura ligado a la creación primitiva con una técnica en especial que trasciende en los cambios de cada época.
Me pregunto quién es aquel salvaje, como en el ejemplo que le sigue al anterior párrafo, una problemática donde los recursos naturales usados por los indígenas de Hawái era completa, ya que aquellos que mantenían una relación constante de crecimiento sin implementar un desequilibrio al extremo de aquel que se satisface y destruye por complacer sus deseos, que por el comercio eran escaseados rápidamente. El indígena tiene un contacto íntimo mientras que el científico tiene un contacto con la teoría. Así el aprovechamiento tanto animal como vegetal serán propiamente por ser útiles e interesantes y efectuado en lo práctico para satisfacer necesidades.
Por lo tanto el conocimiento primitivo del mundo sobre su fauna, su flora, sus acontecimientos, etc, han otorgado una gran capacidad de recepción y de conocimiento que para alguien era difícil ver fácilmente; y sin ayuda de la parte científica, ya que ellos eran creados con saberes específicos, pudieron generar explicación acertadas. Por otro lado sus aproximaciones se manifestaban de una manera extraña como mágica y comenzaban a tomar importancia más adelante para la ciencia. Esta última creencia como dice Strauss: El pensamiento mágico no es un comienzo, un esbozo, una iniciación, la parte de un todo que todavía no se ha realizado; forma un sistema bien articulado, independiente, en relación con esto, de ese otro sistema que constituirá la ciencia. (Levis-Strauss, 1964 Pg. 30)
Al pasar por todas estas experiencias es en el neolítico cuando el hombre se apropia de aquellos accidentes y multiplicidad de conocimientos para adentrarlo a diferente creaciones que lo ayudaran a su desarrollo, cabe recordar que cada técnica como en la cerámica, la agricultura, la domesticación, estas muestras “industriales” supone siglos de apropiación, de aceptación y de rechazos, son hallazgos que se realizaron inconscientemente o al azar y han permitido legar a estas variadas técnicas.
Al descubrir diversos procesos escultóricos, el arte y la ciudad estarán muy de la mano con la fragmentación del objeto, la escultura esta para el público pero comenzará a verse de otra forma, con otros ojos y se mezclara con los problemas y las dinámicas del lugar, de la ciudad, no se convierte en un sentido de observar sino de pertenecer y de interactuar con el espectador, la desmaterialización del objeto se ve inmerso en que no tiene que ser lo más detallado o lo más trabajado, detrás de cada cosa habrá un significado y una relación con lo expuesto como en el arte conceptual la idea pesa más que la obra. Así como dice Sol Le Witt en seis años: la desmaterialización del objeto artístico de 1996 a 1972 por Lucy R. Lippard:
“Solo las ideas pueden ser obras de arte; están dentro de una cadena evolutiva que al cabo puede encontrar alguna forma. No todas las ideas tienen por qué materializarse… Las palabras de un artista a otro pueden inducir una concatenación de ideas, si los dos comparte un mismo concepto” (Lippard, 2004)
Se expondrán algunos trabajos realizados por mí y en colectivo aludiendo a estos procesos de desmaterialización de la escultura, y adentrarnos en el arte público ya que se ha caracterizado por poseer una gran fuerza política y por otro lado se refiere a trabajos de arte en cualquier medio que se ha planeado y se ha ejecutado con la intención específica de la localización o el ser efectuado para el dominio público, generalmente exterior y accesible a todos. Así para Claudia Mónica Londoño Villada en su escrito Arte y espacio público comenta:
Lo público actúa como el conjunto de tendencias y necesidades de una realidad social particular, configurando el tejido de representaciones colectivas, que dan sentido a la existencia del arte público inscrito en la ciudad; representación estética que, a través de las múltiples tendencias surgidas en el transcurso del siglo XX, supera las connotaciones de monumento histórico-conmemorativo e instituye, tanto en lo público como en lo privado, niveles de sentido que desbordan las ya complejas representaciones simbólicas de la realidad, para anudar el entramado urbano contemporáneo. (Villada, 2003)
PENSAMIENTOS Y SENTIDOS EN LA ESCULTURA
Podríamos decir que el pensamiento salvaje como lo “primitivo” y el pensamiento científico son dos maneras de ponerle sentido al mundo, no serían opuestos, cada uno tiene su importancia y forma de categorizar la información y el conocimiento, los indígenas aprovechaban lo que se les presentaba al frente, no de una manera destructiva y de poseerla totalmente sino como una comunión con lo que le ofrecía lo que tenía adelante, me hace acordar el poema por Basho y el paralelo con el poema de Alfred Tennyson (Imagen1), para Basho se trataba de contemplar la nazuna, aquella flor que se le presentaba como una manera receptiva de lo que es y lo que puede llegar a ser, mientras que para tennyson lo único que pensaba era en arrancarla olvidando sus indicios y por qué de la nazuna crecida allí. Así: el pensamiento salvaje a través de los acontecimientos crea una estructura mientras que el pensamiento científico a través de la estructura crea acontecimientos (Teran and Garcia, n.d.).
Una ciencia más que “primitiva” Strauus la llamaría “primera” una ciencia no estructurada como seria lograda por un ingeniero sino una ciencia de arreglárselas con “lo que uno tenga”, el lenguaje del bricoleur en el plano del arte será llamado “bruto” o “ingenuo”, se verá una apropiación de distintos materiales y elementos que en su conjunto representara relaciones entre la imagen y el concepto que su intermediario fusionará con el signo. Aquí comienza aparecer una organización que no se basa solamente por su significado, sino que en conjunto comenzará a significar otras cosas de manera en que se debe de estudiar detalladamente, haciendo una reorganización de los signos, con una recepción simbólica que podría cambiar su significado.
El bricoleur entonces no significa hacer lo que sea, sino que para poder llegar a ello se debe entender conceptos teóricos y prácticos que comienzan a restringir las maneras posibles de observar y entenderla. Aquí la relación entre el ingeniero y el bricoleur toma gran importancia ya que uno necesita del otro, así como en su concepto dado por el primero y en su realización (signos) por el segundo; la escultura podría verse muy bien en la unión de este binomio, alejándonos un poco de la escultura representativa, donde se exaltaban los monumentos, donde eran figurativas y verticales, lo que me interesara es en aquella vanguardia que la escultura comienza a implementarse en otros espacios fuera de aquel lugar de acontecimiento histórico.
La escultura moderna como en el bricoleur son formas distintas que se combinan, como una elaboración de acontecimientos y de estructuras, separado de la representación, ahora el paisaje y la arquitectura tienen sus opuestos como un no-paisaje y una no-arquitectura, las cuales expresan lo natural y lo cultural, lo construido y lo no construido lo cual se une como un proceso escultórico que podría terminar en una obra de arte, invadida de materia y de conocimiento. Así el artista tiene estas dos formas de aplicación tanto como sabio y como de bricoleur, elaboran estructuras disponiendo acontecimientos o más bien residuos de acontecimientos.
La emoción estética proviene de esta unión instituida en el seno de una cosa creada por el hombre, y por tanto, también, virtualmente por el espectador, que descubre su posibilidad a través de la obra de arte, entre el orden de la estructura y el orden del acontecimiento (Levis-Strauss, 1964 Pg. 48).
La escultura se expande, su contenido cada vez es más difícil de definir, se convierte como dice Strauss en virtud de la contemplación, es decir, lo que observemos pasa a formar del espectador diferentes perspectivas suplementarias hacia la obra. La escultura se presenta como un afecto de muchas fuerzas necesarias y para desglosarlo de manera que saque esa experiencia científica y mística, creando construcciones de acontecimientos y simbolismos. Las formas de emplazamiento son distintas aunque visualmente puedan parecer que se apropian del espacio, no pertenecen allí, todas estas combinaciones de exclusiones tanto en el no-paisaje como en la no-arquitectura la escultura abrirá un campo de otras posibilidades en su estructura y el la apropiación con el paisaje y la arquitectura.
Por este lado en el posmodernismo la práctica se relaciona con lo anterior mencionado, la escultura no se definirá por el medio dado en cuanto a su material y percepción de este sino en la organización cultural o del universo lleno de estructura y de acontecimientos. Así pues, artistas hacen de su obra algo enigmático, comienzan a crear cosas diferentes a lo que se denominaría escultura, el proceso de monumento o de representación se olvidan de aquella base, y la abstracción, lo conceptual y lo que parece o no ser una escultura se tornaran en la relación con el paisaje y la arquitectura.
La escultura se expande, su contenido cada vez es más difícil de definir, se convierte como dice Strauss en virtud de la contemplación, es decir, lo que observemos pasa a formar del espectador diferentes perspectivas suplementarias hacia la obra. La escultura se presenta como un afecto de muchas fuerzas necesarias y para desglosarlo de manera que saque esa experiencia científica y mística, creando construcciones de acontecimientos y simbolismos. Las formas de emplazamiento son distintas aunque visualmente puedan parecer que se apropian del espacio, no pertenecen allí, todas estas combinaciones de exclusiones tanto en el no-paisaje como en la no-arquitectura la escultura abrirá un campo de otras posibilidades en su estructura y el la apropiación con el paisaje y la arquitectura.
Por este lado en el posmodernismo la práctica se relaciona con lo anterior mencionado, la escultura no se definirá por el medio dado en cuanto a su material y percepción de este sino en la organización cultural o del universo lleno de estructura y de acontecimientos. Así pues, artistas hacen de su obra algo enigmático, comienzan a crear cosas diferentes a lo que se denominaría escultura como un proceso de monumento o de representación, se olvidan de aquella base y la abstracción, lo conceptual y lo que parece o no ser una escultura se tornaran en la relación con el paisaje y la arquitectura.
La escultura pasa a ser un objeto que debe ser interpretado por varios ojos, son formas llenas de concepto más que de técnica, podríamos pensar que la obra se hace obra por el artista detrás, por su fama, estilo e intereses particulares. En la edad contemporánea es muy repetitiva esta práctica, esculturas que no esperamos que sean la gran obra pasan a ocupar los primeros puestos de los coleccionistas más importantes, la salas de subastas y la popularidad que se desea. Los pensamientos “primitivos” y el científico, o el pensamiento técnico he imaginario trascienden en la escultura, no importa la técnica o el concepto, simplemente trae un artista del momento, colócale su firma, que diga unos cuantos renglones de lo que significa y ya está, una sociedad del espectáculo, que se fija de quien está detrás sin importar lo que ven realmente.
Por ultimo hay que añadir que el equilibrio entre estructura y acontecimiento, necesidad y contingencia, interioridad y exterioridad, es un equilibrio precario, constantemente amenazado por las tracciones que se ejercen en un sentido o en el otro, según las fluctuaciones de la moda, del estilo y de las condiciones sociales generales (Levis-Strauss, 1964 Pg. 55).
La escultura pasa a ser un objeto de consumo más no de apreciación, pierden acontecimiento y estructura, su historia y memoria, ahora son pilares de creación para establecer una simple imagen, una aceptación en el mundo como artista, obras futuristas de formas extrañas han poblado el mundo, la representación ya se ha olvidado, ahora estamos en un juego de formas, de proyecciones futuras, de perdernos en el lugar, se busca constantemente innovación, y se pierden en la realización de formas inexpresivas. Este equilibrio en la sociedad contemporánea diría que se forma a partir del artista-poder, donde el quien la realización apropia su importancia, el poder; un poder de consumo que hace ser al artista mas no su obra, es decir la obra solo es un medio para que las dinámicas sociales de poder saquen a relucir al artista y su discurso que completa su escultura, sin discurso no hay obra.
Esculturas llamativas se alzan en nuestros tiempos, esculturas que agraden a simple vista, que se formen en su abstracción como algo innovador y nuevo, es una lucha de egos donde la escultura no habla por sí sola, sino que detrás hay un gran discurso para serla valida y más aun dependiendo de a quien se refiere o quien habla. Es un campo que se ha expandido complejamente desde la modernidad hasta la posmodernidad, con la representación y la unión del objeto con las fuerzas externas técnicas y místicas, con interacciones del paisaje y la arquitectura con sus opuestos, han sido focos a lo que hoy vemos como un desarrollo de discurso y de espectáculo.
¨La obra de arte público, se ubica en el escenario urbano, configurando múltiples entramados simbólicos, en los cuales confluye la percepción del sujeto y la experiencia visual de la misma, dando lugar a la fusión entre el mundo de la representación artística y los hechos de la cotidianidad. Las obras de arte, han establecido en el paisaje urbano, un territorio estético en donde se construyen las interacciones comunicativas, producto de la apropiación del objeto estético y la asunción de significados individuales y acuerdos colectivos.¨ Arte público y ciudad – Londoño Villada. (Pertuz, 2010)
PROPUESTAS
Las propuestas artísticas escultóricas se ha adentrado más al funcionamiento del espacio y como ejercen dinámicas espaciales para plantear proyectos en función de una pregunta o activaciones presentes de alguna investigación. Así otras formas de entender la disposición del arte en lugares públicos comienzan a generar afectos entre la muestra y el espectador, las activaciones, intervenciones y apropiaciones de aquellos espacios que generan encuentros de emociones y de actos que tal vez son esperados o que fluyen simplemente e inesperadamente, así como puede estar el azar, los resultados de estas expresiones artistas pueden ser ambiguas desde su exposición pero en los resultados se puede observar su importancia y como ha logrado afectar a las personas, dejarle inquietudes del porque el espacio esta diferente y de cómo podemos verlo con otros ojos.
“DECOLLAGE”
Para Wolf Vostell, artista referente del decollage: esta noción planteará un conjunto dinámico de fragmentos de realidad entrecruzados. Tanto sus obras materiales como acciones estaban impulsadas por un mismo principio: la estética de la destrucción, la cual pretendía recoger el carácter negativo y agresivo del mundo contemporáneo. La destrucción y construcción son mecanismos asociados, ya que nada se puede construir sin una etapa previa de destrucción.
¿Qué nos puede ofrecer nuestro entorno para que dispuesto en otro espacio pueda ser transgresor o visto de otra manera?
¿Sobre qué nos comienza a hablar aquel objeto situado en otro lugar, qué otros conceptos y apropiaciones se le dan a este objeto tiene un nuevo sentido una nueva identidad?
¿Cómo por medio del decollage puedo generar una activación al público sin necesidad de integrar más material, simplemente usando lo que la ciudad ofrece?
Con esta idea de coger lo que nos ofrecía la ciudad, y colocarlo en otro espacio para que tuviera otros lenguajes, comencé a recoger hojas caídas de los árboles y comencé a colocarlas ordenadamente en unas escaleras de un puente peatonal, después llene una escalera en su totalidad, más adelante cambié la ubicación y deje algunos espacios donde la intencionalidad era que por allí pisaran las personas. Ya que dejaba diferentes espacios para que la gente pudiera subir, la mayoría de las personas que cruzaban pisaban donde yo quería por lo tanto las personas subían por el camino que yo les mostraba ¿por qué sucedía esto sí son simplemente hojas las cuales pisamos todo el día? Hay un mecanismo de poder allí, un desorden convertido en orden, el cual al estar distribuido tendrá otro sentido y mucho más interesante, ya no se convierte en una simple hoja sino que es una barrera y la masa en disposición y orden puede alterar fácilmente a las personas en la misma humanidad.
El uso de este elemento cotidiano dispuesto de una forma diferente llevan a pensar que ocurre en las personas con esas pequeñas interacciones que se dan en los espacios, donde hay una orden, el cual su significado es de poder, de límite entonces la activación de este espacio público comenzó a generar dinámicas en el lugar, la acción de subir escaleras pero con una interrupción en el flujo de ese andar, fue apropiarme con las hojas despegándolas de su lugar y reutilizándolas, afectaron la vida cotidiana, ejerciendo como una “obligación” a no pisar, a hacer un mayor esfuerzo al subir; sin necesidad de tener un letrero, ni un sonido repetitivo diciéndole que no puede hacer esto y aquello, ni desgastar en una imagen o crear videos, simplemente es algo que habla y qué sirve para experimentar sin generar más materia y con la ayuda de los objetos que ofrece a la ciudad un sentido de crítica.
“APROPIACIÓN DE LUGAR”
“…Durante una semana, la artista siguió las instrucciones a rajatabla: repartió sonrisas; bocadillos de jamón y queso, y tabaco; charló con vagabundos y sintecho. Y se apropió de una cabina telefónica. La limpió y la condicionó con todo aquello que pensaba que la haría más agradable para sus usuarios: le colocó una silla, flores frescas, comida, cigarrillos. (Santiveri.com, 2015)
Hablamos de la artista Sophie Calle, quien se apropió de una cabina telefónica y comenzó a intervenirla poniendo diversas cosas desde imágenes hasta compartir comida y una silla, y la gente lo utilizaba como si fuera parte del lugar. Aprópiate de un lugar público de la ciudad y mejóralo no importa cuál, ni dónde, una esquina, la boca del metro, un árbol, mantener limpio el lugar, decóralo, considéralo una extensión de ti una parte de tu identidad decía la artista.
¿Que nos cuenta el lugar? ¿Qué necesita aquel lugar? ¿Cómo podemos intervenir y domesticar el espacio público? Me centre en un espacio público con conectividad a internet, pienso que los espacios pierden relevancia ya que tenemos la necesidad de estar conectados y constantemente buscamos un espacio con wi-fi, el lugar se ha transformado en conexiones más no en encuentros, observo las dinámicas de aquellas personas ¿porque no apropiarme de aquel espacio con el uso de códigos QR? así invitaría a las personas a interactuar, escogí los baños públicos siempre estamos con el celular un lugar íntimo y ¿por qué no de interacción (tecnológica), disponía de dos tipos de códigos: unos en forma de rostros, que llevaban a descripciones de personas pero todo estaba registrado por medio de emoticones si te interesaba podrías contactarlo y al final aparecía su celular, y los otros eran de colores qué te llevaban a unas preguntas sobre juegos de palabras, quería que pareciera una infección lleno de códigos la información y de entablar conexiones.
“1 METRO CUADRADO DE CIUDAD”
¿Cómo utilizar un metro de ciudad y convertirlo museológicamente? O podríamos pensar cómo ese espacio nos comienza arrojar un sentido crítico y reflexivo. Para ello cogí un metro cuadrado de cuentas de registros bancarios, se tomaron muestra de 108 cuentas de transacciones de diferentes cajeros entre estos están el Banco de Bogotá banco AV villas, Banco Popular, Servibanca y Bancolombia entre los sectores de Laureles la 33 y la América.
¿Qué me proporcionan estás cuentas? Cómo puedo adecuarlas a un montaje o una exposición, en estas cuentas podemos ver ganancias, retiros de ahorros y permite hacer un estudio económico de las personas en el área de Medellín, meternos así en lo privado e íntimo como una cabina y esculcar en la basura del cajero para identificarlo.
El rango de valor de disponibilidad en la cuenta de ahorros con un 72,2% que corresponden a 78 personas es entre 0 y $800000 mil pesos, el valor que han retirado aproximadamente está entre 1 y $300,000 entre los días 29 de junio y el 1 de Julio, las personas entrarían en una muestra mayor al 50% con ganancias cercanas al mínimo y con un 27,75% que corresponden a 30 personas estarían ganando por encima del millón de pesos contando con que se recolectó días de pago en la quincena.
“DISPOSITIVO COMUNICATIVO”
¿Qué pasa en nuestro entorno?, ¿cómo se comunican las personas?, ¿cómo invitar a comunicar?, ¿qué lenguajes usan?, ¿cómo hacer que se apropien de un dispositivo cómo la revista, el periódico, la cartelera, etcétera?, ¿qué comunican?
Para la creación de un dispositivo de difusión comunitario, nos centramos (desde la asignatura Arte y Ciudad de la Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín) en un contexto: el barrio llamado Vergel ubicado en San Antonio de Prado, donde en un callejón compartido por varias familias, ya que su uso es el de transitar y parquear automóviles o motos, no se vieron mecanismos de socialización entre el callejón y los habitantes del sector, es decir, no habían bancas ni espacios de acercamiento con el otro, hay poco flujo de conversaciones, por lo cual se veía una individualidad de las personas que habitaban allí.
El objetivo es buscar la forma en que las personas se expresen y ver cómo establecen un diálogo con lo expresado por el otro, para ello nos preguntamos cómo podríamos invitar a las personas a dialogar, la estrategia utilizada fue un tablero qué iba impregnado en una de las paredes del callejón, era pintado y al lado disponía de tizas. El tablero nos recordaba sistema de educación donde los niños no podían rayar el tablero y había una autoridad que escribía la verdad por decirlo así, entonces se lo pusimos a la comunidad para que pudieran copiar o dibujar ya sea de forma anónima pero se sabe que es del mismo callejón, o de personas que recurren aquel espacio. En el transcurso de los días las personas colocaban mensajes, más que todo participaba niños que dibujaban, entonces se convirtió en un dispositivo qué comunica el callejón con las personas que cruzaban y vivían alrededor.
“PROYECTO HANGAR”
Al final después del planteamiento de todas estas preguntas con las propuestas anteriores, hubo una unificación y de manera colectiva de crear un proyecto con todas las preguntas, planteamientos, experimentaciones, registros que se usaron en la activación de las personas, apropiación de un espacio, uso de ese espacio como objeto de crítica y reflexión, uso de mecanismos de difusión de información todo ello conllevaba a establecer estrategias, ordenar espacios, crear situaciones de interacción con la comunidad.
Para ello se partió del objetivo de brindar un espacio en el bloque de Artes plásticas de la Universidad Nacional que pueda ser apropiado por los estudiantes y sus colectivos con el fin de fortalecer tejidos sociales y redes de conocimiento dentro de este espacio. Se busca crear un espacio que sirva como medio para la promoción y socialización de proyectos individuales y colectivos así como para el esparcimiento de los estudiantes. Además de promover intercambio de ideas y saberes que ablanden el bloque y permita la integración de quienes lo habitan a partir de proyectos que se están desarrollando, se busca que haya seguimiento y permanencia en los demás semestres, que en si se deje una huella y muestre que la comunidad del bloque puede llegar a ser muy importante. Se realizaron varias actividades con el sentido de activar el bloque, de informar, de participar y por qué no, de hacernos sentir, aquí como hemos visto las épocas o cada año nos van mostrando diferentes dinámicas del arte.
Proyecto:
Estamos ante un arte que puede ser visto de muchas maneras, tiene muchas posibilidades de lectura y de sentido, comenzamos hablando de la desmaterialización de le escultura, del objeto de las ideas y ahora preguntarnos por un arte que se alimenta de todo lo que sucede y no solo de lo material sino también de las otras disciplinas, podemos considerar que ha tomado fuerza, ha perdido también algunas bases de “materialidad” pero el sentido siempre será de ruptura, de ir en contra de, de revolucionar, de preguntarse él porque, de modificar situaciones, de adentrarse a la verdad, de exponer, de mostrar realidades, crear sensaciones, incomodar la vista, crear opiniones, aceptar las críticas, defender lo que pensamos y creemos, de construir pensamientos, imágenes, crear acciones, muestras inquietantes, tener sensibilidad, observar el alrededor, aprender del mundo y analizar cada gesto.
Qué tal si el objeto desaparece, solo nos quedamos con los planteamientos de proyectos, empezamos a pronosticar y a generar respuestas sin haber experimentado, pensemos en el mundo en que estamos y la desmaterialización de la obra, generamos proyectos y proyectos, estamos más interesados en los procesos de investigación interdisciplinario que tal vez hemos olvidado las artes plásticas, la producción de un objeto, pero no un objeto de consumo sino un objeto de historia, de sentido, de emociones, de reflexión, de elaboración, de crítica, etc. Llenamos nuestro portafolio de todo menos de experimentación e imágenes, que la boca y el discurso no nos quite el poder de expresión manual. Recurrir a las expresiones artísticas pasadas se volvió obsoletas, el aprender a hacer pinturas, bastidores, etc, ahora la creación de un discurso y de una idea se ha vuelto la clave de las experimentaciones. Veo que en este caso las artes plásticas podrían desaparecer lentamente y se convertirían en otra disciplina que busque tal vez lo mismo pero en otro espacio o con otra forma de experimentar, tal vez por métodos estadísticos, numéricos o por el ciber espacio, con creaciones mediáticas (virtuales) lo cual ya esta ocurriendo.
Referentes
Santiveri.com. (2015). Gotham Handbook, el. [En línea] Disponible en: https://www.santiveri.com/en/cooltura/gotham-handbook-el-doble-juego-de-paul-auster-y-sophie-calle
Pertuz, F. (2010). Arte y Espacio Público – [esferapública]. [En línea] Esferapublica.org. Available at: https://esferapublica.org/nfblog/arte-y-espacio-publico/
Krauss, R. (1979). La escultura en el campo expandido. Pp.59-74.
Lippard, L. (2004). Seis años. Tres Cantos, Madrid: Ediciones Akal, pp.7-28.
Levis-Strauss, C. (1964). El pensamiento salvaje. Paris: Fondo de cultura económica, pp.9-59.
Teran, M. and Garcia, G. EL PENSAMIENTO SALVAJE CLAUDE LÉVI-STRAUSS. [En línea] Sgpwe.izt.uam.mx. Disponible en: http://sgpwe.izt.uam.mx/files/users/uami/ana/2015_Guias_para_el_Examen.pdf
Villada, C. (2003). Arte público y ciudad. [En línea] Revistas.utp.edu.co. Disponible en: http://revistas.utp.edu.co/index.php/chumanas/article/view/885 [Accessed 23 Aug. 2019].
Imagen 1
Basho
Tennyson
Comments