Por: David Botero Villegas y Lizdania Martínez Ufre
Se han escogido dos capítulos, La feria y la Revista, del libro "Siete días en el mundo del arte" de Sarah thornton para establecer relaciones frente la situación del arte local. En su reseña del arte en Colombia durante el siglo XIX, Barney (1965) expone que El panorama de las artes visuales en Colombia- siglo XIX- es de aparente pobreza, caracteriza esta actividad artística por medio de dos vertientes de la época: la una corresponde al oficio de los dibujantes de la Expedición Botánica y la ingenuidad de los pintores anónimos y la otra pertenece a la intención académica, de fallidos resultados, con retratos y temas hagiologicos. Con sus defectos formales relaciona el testimonio espontaneo y directo del hombre y del paisaje, sin mixtificar la objetividad que el país ofrece. Además, interpreta la corriente universal que más parece acomodarse al modo de ser americano del momento con especial evidencia en las artes plásticas.
"Si uno busca arte y calidad, el dinero vendrá más tarde... Tenemos que tomar las mismas decisiones que toman los artistas. ¿Ellos hacen buen arte o arte que se vende bien? Lo mismo con las galerías. ¿Son comerciales o creen en algo? Nuestra situación es similar", explica Samuel Keller, director de Art Basel.
La Feria
Durante los últimos años, la riqueza y diversidad del siglo XX en las artes ha ganado importancia internacionalmente. Los artistas colombianos se ven influenciados por retratar e interpretar la realidad de nuestro país con los lenguajes que se dan a partir de las vanguardias de las tendencias globales. Aquí miramos a un futuro, a un avance del arte en Colombia como un centro importante cultural creando nuevos espacios para fortalecer la escena artística del país. Además, por la investigación y promoción de curadores como una nueva figura, historiadores, artistas entre otros se han destacado a nivel mundial por liderar museos, colecciones y Bienales alrededor del mundo.
En un mundo donde la habilidad técnica ya no es criterio dominante para juzgar el arte, el carácter del artista es especialmente valorado. La percepción de que un artista trabaja simplemente para proveer de obras al mercado compromete su integridad, por lo tanto el mercado pierde confianza en su trabajo. (Thornton, 2010)
Colombia recibe hoy grandes compromisos con el arte, eventos, exposiciones y representaciones internacionales muestran el desarrollo “reflexivo” y “critico” dentro del país. Las ferias de arte son una gran oportunidad para conocer como se ve el arte propio del país e internacionalmente y donde el arte contemporáneo se hace participe en cómo se mueve su mercado, cabe destacar las principales ferias realizadas en Bogotá y Medellín:
Desde Bogotá:
ARTBO fue la pionera que inspiró el nacimiento de las demás ferias que les dan cabida a las miles de expresiones artísticas de Colombia y el mundo. Es el encuentro por excelencia para el mercado del arte en América Latina. En su edición número 13 presentó 75 galerías de 18 países del mundo que formaron parte de cuatro secciones en la feria, presentando una diversa oferta comercial.
Millón-Club Colombia nació con el propósito de fomentar el coleccionismo. Poco a poco ha contribuido a darle un nuevo aire y uso al enorme lugar donde se realiza: el Centro Creativo Textura.
Odeón trae un nuevo formato en el que el aprovechamiento del espacio permite arriesgarse a innovar con propuestas de exhibición, creación y circulación.
Art Chicó en su tercera edición, inicia una nueva etapa como feria de galerías de arte contemporáneo. Focalizada en el arte contemporáneo Iberoamericano, Español y Portugués.
Barcú donde las artes plásticas, el cine, la música, la danza, el grafiti y la gastronomía se dan cita en “una experiencia que crece, que activa los sentidos y genera emociones en todos los públicos”, cuenta Karen Schenk, directora de Barcú 2016.
Desde Medellín:
ARTMED Su proyecto se precisa en tiempos estratégicos de desarrollo y centralizados para la consolidación y cualificación de artes plásticas y visuales en la ciudad-región, con proyección y apertura internacional.
Por otro lado en Cali: Art/Cali su curador Roberto Kilby evoca el descubrimiento de América y hace una analogía con el redescubrimiento de las artes en Cali, por medio de la feria. Todas cuentan con participaciones importantes de talla internacional, participan galerías de Colombia, México, Cuba, Chile, Venezuela, Estados Unidos, Francia, Argentina, Brasil entre otros. "Hoy en día casi no hay un galerista que exponga solamente artistas de su propio país. Significaría que es provinciano y limitado… Últimamente, la globalización del mundo del arte se ha acelerado. Y las ferias de arte nos están resultando muy beneficiosas" explica Knight Landesman, uno de los tres directores de Ariforum International. Cada vez hay más gente dispuesta a empezar su colección de arte, una transacción que nace de un gusto, pero que en últimas resulta ser una inversión.
Como explica Mera, "la mayor pureza se encuentra en los artistas jóvenes. Cuando les compras en la primera o la segunda exposición quedas incluido en la construcción de la confianza, la construcción de la identidad de un artista. No se trata solamente de comprar una pieza. Comprándola te metes en su vida y eres parte del camino que tomará. Es un compromiso mutuo, lo cual es bastante intenso". (Thornton, 2010)
Por último los artistas jóvenes que participan en las ferias siendo impulsados por las nuevas oportunidades y la importancia de sus directores, marchantes y curadores, despiertan la curiosidad de los coleccionistas y personas amantes del arte por conocer cosas nuevas y poder adquirirlas. Artistas como: Oscar Villalobos, Daniela Serna, María Roldán su obra se centrada en la exploración con el texto escrito «Construyendo un elefante blanco», Viviana González con su exposición titulada «Localizaciones, lugares, locales, dislocaciones» curada por el colombiano Fernando Escobar. Y no podemos olvidar y destacar los artistas importantes que se han destacado en el exterior como: Jorge Villamizar, Fernando Botero, Doris Salcedo, Luis caballero, Antonio Caro, entre otros.
Pero hoy en día es muy importante, por efectos de la globalización y de los mercados, contar con galerías para llegar a las ferias, a los curadores y para formalizar el ingreso de las obras al comercio. El arte en Colombia está creciendo, diría que estamos a nuestro propio ritmo donde nos piden mucho más, estas ferias son una gran oportunidad para explotar nuestras reflexiones, para enseñar otras perspectivas e indagar en problemáticas importantes.
ARTBO 2017
La Revista
En este capítulo se habla claramente de La revista ¨Artforum¨, la más importante dentro del mundo del arte. Se la define como una revista que va orientada a los jóvenes, donde los críticos de arte escriben sobre el mundo del arte y tiene como principal objetivo ofrecernos un recorrido por el arte actual en el que se descubren los entresijos del mercado del arte, los esfuerzos de los artistas por abrirse camino o el funcionamiento de la crítica de arte; un tema bastante complicado en un país tercermundista como Colombia, donde aún se tiene un pensamiento ignorante sobre el verdadero valor de arte.
Quiero dar un ejemplo claro de lo que se vive en nuestro país con respecto a que muy pocas revistas con un enfoque hacia el arte, logran tener un éxito soñado, a diferencia de otras que no lo logran por falta de lectores ya que como son temas culturales, el público no la toman como prioridad para leerlas.
En este caso hablaremos de ARCADIA, revista colombiana que con sus publicaciones culturales logró cruzar una barrera difícil, que es cautivar lectores y es por eso que hoy es noticia cuando una revista dedicada a la cultura llega a su quinto aniversario. La revista se caracterizó desde el comienzo por el que sigue siendo su sello: periodismo cultural que permite llevarle a un público más amplio temas que de otra forma terminarían encerrados en el nicho de la intelectualidad. Y lo que llama mucho la atención es saber que, de acuerdo con el perfil de sus suscriptores, sus lectores no se encuentran solo en el mundo de las artes y las letras. Así lo explica su directora en un artículo publicado por Semana (2010): “Si miramos por profesiones, los que más nos leen son los economistas y los médicos; hemos roto el cliché de que los temas de la cultura solo le interesan a los que están en el medio. Tanto que es la primera o segunda revista que desaparece de las salas VIP de Avianca en todos los aeropuertos”. Este último dato puede sonar anecdótico, pero es revelador: “Demuestra que los lectores en Colombia sí buscan otro tipo de información (íbid)”. Pero no solo los que viajan con frecuencia en avión quieren acceder a nuevos temas, entre ellos los culturales; son los colombianos en general.
En la acogida que ha tenido Arcadia, un factor clave es su equilibrado repertorio de temas, en el que no han faltado aciertos periodísticos: tres veces ha entrevistado a futuros ganadores del Nobel de Literatura. Por las páginas de la revista también han pasado los autores más destacados del momento: Salman Rushdie, Umberto Eco, Ian McEwan, Amélie Nothomb, Amin Maalouf y Mario Vargas Llosa. Pero como no solo de literatura viven los lectores, también ha habido espacio para filósofos, como Peter Singer; fotógrafos, como Spencer Tunick, y artistas como Fernando Botero.
Cinco años después, Arcadia es una revista un poco esquizofrénica en el buen sentido: así como resulta amena para el lector común, también es consultada por escritores e intelectuales. Tiene la virtud de hacer más digerible la cultura sin transformarla en entretenimiento de masas. “Cuando nació el proyecto se esperaba que durara dos números, como todas las revistas de este corte, pero no solo superó los dos números, sino que ha pasado a llamarse ‘el milagro Arcadia’” (íbid). Cuando su directora habla del “milagro” se refiere a la cantidad importante de anunciantes que convoca, algunos de una fidelidad y apoyo fuera de serie, como Mapfre, Paños Atlas, Tena y BBVA, y al público tan disímil y numeroso que ha cautivado. Un público que agradece que sea una revista que, para disfrutarla, baste con una dosis mínima de curiosidad. Y la curiosidad abunda.
Finalmente quiero resaltar un punto importante que logre entender de estas dos revistas, y es que la crítica hace parte fundamental de este ámbito, ya que si se es un crítico se logra obtener una ''visión retrospectiva'' que como lo nombró Smith ''Se hace en el momento. No involucra investigación. Se pone al frente y brinda reacciones''; Reacciones dirigidas a los lectores y espectadores logrando así la gran acogida de la crítica o punto de vista del mundo del arte para la sociedad en general.
Tomado de Revista Semana
Grandes Instituciones de Arte
Por: David Botero Villegas
En este apartado se expondrán algunas exposiciones que han dado pie a dialogar, debatir y apropiarse del arte contemporáneo. Este año 3 exposiciones a gran escala de renombre internacional se dieron en el mundo del arte, cada diez años con Skulptur Projekte en Münster, la Bennale de Venecia y cada 5 años Documenta 14 en Kaseel toman este 2017 abarcando un gran panorama contemporáneo para los diferentes proyectos de los artistas que organizan y se preparan para su muestra.
"Como una especie de estudio a largo plazo, cada edición refleja un proceso multifacético de negociación con la ciudad de Münster, así como con importantes cuestiones artísticas y sociales de su tiempo", opinó König director artístico que trabaja en cada iteración con equipos curatoriales rotativos.
Skulptur Projekte
Inicia en el año 1977, convocando artistas y público de todo el mundo con el fin de entablar un diálogo intenso acerca de la escultura contemporánea. La exposición siempre se ha destacado por su sensibilidad hacia el papel democrático del arte dentro del espacio público. Los mecanismos, las manifestaciones, el impacto de la digitalización y la globalización reflexionarán sobre conceptos contemporáneos en escultura y explorará las condiciones fundamentales de la esfera pública, siendo los temas que se ocuparon en la 5 edición en el verano de 2017 en Münster con el director artístico Kasper König (que ha participado en cada exposición desde 1977) y las curadoras Britta Peters, diseñadora y organizadora de exposiciones independiente de Hamburgo, y Marianne Wagner, conservadora de arte contemporáneo en el Museo de Arte y Cultura en Münster.
La accesibilidad y la educación son algunos de los pilares sobre los que se basa SPM (Skulptur Projekte en Münster), el acceso al espectáculo, su ceremonia de apertura y otros eventos están abiertos a todos de forma gratuita y están orientados a un amplio espectro de visitantes. En comparación con eventos anteriores, la exposición de 2017 pone mayor énfasis en los formatos performativos. El interés en el cuerpo resulta, entre otras cosas, de su desaparición del espacio digital.
SPM presenta 35 nuevos puestos artísticos que van desde la escultura clásica hasta el arte performativo encontradas repartidas por toda la ciudad y su ciudad vecina de Marl, los artistas para 2017 provienen de 19 países diferentes. A cada uno se le dará la oportunidad de realizar una nueva propuesta, incluidos nombres conocidos como Pierre Huyghe, Gregor Schneider, Thomas Schütte y Nicole Eisenman. Por ejemplo, obras como la de Michael Smith, ofrecerá un servicio de tatuajes para personas mayores de 65 años con descuento en su obra “no quiet on the ground”, la obra de Ayse Erkmen titulada “On wáter” establece las diferencias de clases en la ciudad, Andreas Bunte juega con los espacios virtuales en la vida cotidiana en “Laboratory Life”, Aram Bartholl en “3V” se basa en dispositivos termoeléctricos que transforman el fuego en energía eléctrica, Pierre Huyghe con un coste estimado de un millón de euros “After ALife Ahead” ha creado un paisaje biodiseñado en una antigua pista de hielo.. entre otros artistas como Christian Odzuck, Emeka Ogboh, Oscar Tuazon, Joëlle Tuerlinckx y Cerith Wyn Evans con proyectos diferentes en cada espacio de la ciudad.
"Obviamente, ahora nuestro interés está en hacer algo nuevo", dijo König a artnet News. "Mi trabajo es decirle a los artistas que se olviden de lo que ya está allí, pero a todos les interesa lo mismo. Todos los artistas han venido aquí como estudiantes o al menos ya lo saben, así que no tenemos que presentarnos ", agregó.
El enfrentamiento con la escultura contemporánea y las posibilidades del arte en los espacios públicos siempre ha sido un punto de partida para la investigación artística, cada década plantea sus propias preguntas particulares. En este evento se puede diferenciar como la escultura abarca una cantidad de proyecciones que se han ido modificando en estos últimos años. La llamada colección pública es muy importante, ya que ofrece al público una larga relación con las obras de arte presentadas. Algunas de las contribuciones de los artistas de 1977 a 2007 son más fuertes que otras, pero la mayoría tienen un gran poder estético.
Laboratory Life, by Andreas Bunte (1970 Mettmann)
Bienal de Venecia
Hoy día, en un mundo lleno de conflictos y conmociones, el arte es testigo de lo más valioso que nos convierte en seres humanos. Es el terreno principal para la reflexión, la expresión individual, la libertad y los cuestionamientos fundamentales. (…) El papel, la voz y la responsabilidad de los artistas son más cruciales que nunca en el marco de los debates contemporáneos. Es en y a través de estas iniciativas individuales que el mundo de mañana toma forma, algo - ciertamente incierto - que los artistas mejor intuyen a menudo que otros, explica Christine Macel la curadora de esta 57ª Exposición Internacional de Arte.
Nacida como sociedad de cultura en 1895 con la organización de la primera Exposición Bienal de Arte del mundo, para estimular la creatividad artística y el mercado del arte en Venecia y en Italia, la Bienal conserva hasta hoy su objetivo de promover las nuevas tendencias artísticas. El tema elegido para la edición de 2017 ha sido “Viva Arte Viva” curada por Christine Maciel directora del Pompidou (Centro Nacional de Arte). Allí 120 artistas invitados de 51 países; 103 de ellos están participando por primera vez, entre los que encontramos artistas de Antigua y Barbuda, Kiribati, Nigeria y Kazajistan. Es que este año, la curaduría ha puesto el foco en los artistas y sus prácticas, en lugar de hacerlo en un tema convocante.
Viva Arte Viva es una bienal diseñada con los artistas, por los artistas, y para los artistas. Se confronta con las formas que proponen, las preguntas que definen, las prácticas que desarrollan y las formas de vida que eligen. La muestra se encuentra a su vez dividida en 9 pabellones o ‘capítulos’ que agrupan las obras alrededor de diferentes temas:
· El Pabellón de los artistas y libros: El material y los mundos espirituales de los artistas, a través de su relación con los libros, textos y conocimiento en su sentido más amplio.
· El Pabellón de los goces y miedos: explora la relación entre el individuo y su propia existencia, sus emociones y sentimientos o los que trata de generar.
· El Pabellón de lo compartido: Investiga la noción del mundo común y la manera de construir una comunidad, como una manera de contrarrestar el individualismo y los intereses personales, una característica preocupante del clima sombrío actual.
· El Pabellón de la tierra está centrado en utopías ambientales y planetarias, así como observaciones y sueños.
· El Pabellón de las tradiciones: Explora no sólo la historia contemporánea o reciente sino también pasados más distantes, con interés especial en la arqueología, en re-interpretaciones y re-invenciones.
· En el Pabellón de los chamanes: muchos artistas adhieren a la definición del artista como "chamán
· El Pabellón dionisíaco: Celebra el cuerpo femenino y su sexualidad, vida y placer, con alegría y sentido del humor, y presenta numerosas obras creadas por artistas mujeres.
· El Pabellón de los colores: Donde todos los cuestionamientos presentados en los pabellones precedentes vuelven a confluir antes del capítulo final.
· El Pabellón del tiempo y la eternidad: Al final de la travesía la noción de tiempo re-emerge con una nueva calidad metafísica, dentro de laberintos borgeanos y especulaciones acerca de un futuro que ya está encarnado en el presente, o en una eternidad ideal.
Podemos observar como la curadora ha subido las expectativas, el deseo de confiar en lo que pueda dar de sí el arte y lo que pueden ofrecernos los artistas, se sale de discursos políticos como en las anteriores ediciones, eso no significa que hayan sido eliminados sino que se hace de manera más abstracta sin referirse directamente, a eso fue lo q aspiro Christine Macel en esta bienal, generar reflexión presentando proyectos que abarcan problemas sociopolíticos que se han visto intensificados en años recientes, como el aumento de las migraciones, el resurgimiento de los nacionalismos o el auge de la intolerancia y de la violencia en general.
Obras como la de Olafur Eliasson titulada “Green Light” donde refugiados y ‘migrantes’ elaboran lamparas que son vendidas a 250 Euros y cuyos fondos se donan a beneficio de refugiados, Zilia Sánchez realiza pinturas corpóreas donde lo femenino se convierte en erotica abstracción, Brigitte Kowanz presenta una instalación compuesta por esculturas de luz, espejos y referencias al inmenso espacio inmaterial de Internet, en la que se entreteje el espacio físico con el virtual, Katja Novitskova en “If Only You Could See What I've Seen with Your Eyes” reflexiona sobre las consecuencias ecológicas del registro, cada vez más abundante, de todos los aspectos de la vida en el planeta tierra y su interpretación por parte de máquinas, entre otras obras que indagan sobre su problemática en cada pabellón.
Para estos dos grandes eventos se tomaron varios años para poder planificar y mostrar todo el panorama de evolución del arte contemporáneo en el transcurso del tiempo. La escultura ya no se muestra como una formación de mármol o de piedra, sale de esos parámetros tradicionales, aun siendo de gran prestigio su valor, y se muestran como una escultura contemporánea donde tiene una forma más amplia de abarcar las obras, juega con las muestras performativas y las instalaciones, generan un juego en el espacio, una interactividad con el público apuntando a una nueva forma de observar las nuevas tendencias del arte. Así mismo, la exploración de varios temas giran en torno a reflexionar sobre el mundo actual, problemáticas sociales como la guerra, las relaciones de cuerpo y maquina en el mundo virtual, la sexualidad, la psicología, entre otros, es algo así como una esperanza para generar crítica, y esto es lo primordial del arte, llegarle a las personas y darles un sentido de relación en lo que sucede y desea expresar mediante cada artista con propuestas diferentes.
Una obra es una máquina de significar (...) Sólo el espectador puede poner en funcionamiento el aparato de signos que es toda obra. (...) Las obras del siglo XX reclaman una contemplación activa, una participación creadora. (Octavio Paz, 2011)
Las nuevas tendencias del arte contemporáneo nos obligan a ir a la obra, y verla por nosotros mismos, la obra contemporánea tiene vigencia en la actualidad ya que son obras que no son fáciles de adquirir por ser una instalación, entre otros factores o simplemente solo pasan y quedan en la memoria. Muchas personas se están adentrando al mundo del arte, no es solo para personas conocedoras del tema, sino que está abierto para todo tipo de público, las obras dialogan en el espacio, son obras cargadas de signos que debemos descubrir. Estos espacios propician a la integración del arte, da oportunidades a artistas de mostrar sus puntos de vistas, de reflexionar en cada una de sus obras.
Dentro de 10 años no sabremos cómo se verá el arte, donde muchas críticas han dado vuelta a este cambio de expresión, cifras incalculables, obras “sin sentido” que se alejan de una “estética” o un desarrollo arduo, el arte como mercado, entre otras problemáticas dentro de este mundo que hacen de una u otra forma generar una “moda” artística donde solo con reconocimiento o fama puedes llegar al podio, a ser un gran artista. ¿Regresaremos a lo tradicional?, ¿El arte cambiara en un sentido más conceptual? Donde no se sabrá hasta qué punto es arte o no, los artistas se verán envueltos en un problema de hacer arte, no estoy muy seguro pero en mi opinión el arte siempre estará, manifestada de distintas maneras, ahora en un futuro puede ser por medio de la virtualidad, de estas nuevas tecnologías de la comunicación, de la realidad artificia, de las máquinas con las cuales debemos luchar y reflexionar en cada obra.
Olafur Eliasson “Green Light”
Referentes
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